جلسه ی اردیبهشت ماه معلمین|گذر موسیقی

جلسه ی اردیبهشت ماه معلمین گذر موسیقی

جلسه ی اردیبهشت ماه معلمین با اهداف :

برنامه ریزی برای کارگاه آموزشی دور دنیای موسیقی در 80 دقیقه (ببرسی موسیقی ملل)

انگیزه سازی در هنرجویان

بررسی روش های نوین برای تدریس آنلاین

معرفی کتب جدید آموزش موسیقی

در تاریخ 20 اردیبهشت ماه 1400 برگزار خواهد شد.

جلسه ی معلمین-گذرموسیقی

موسیقی کولی چیست و چگونه آغاز شد | گذرموسیقی

موسیقی کولی 

موسیقی کولی در مجارستان، رومانی و کشورهای شبه جزیره ی بالکان ریشه دار است.در این مناطق ، این موسیقی از ریشه ها و خاستگاه های موسیقی فولک بومی بهره می برد.از جمله آواز خوانی آرام و حزن انگیز، ملودی های تند رقص، دست زدن، اصوات دهانی، و قاشق زدن های چوبی.این موسیقی با عناصر شرقی نظیر گیلیساندو (لغزش تند انگشتان روی کلیدها / سیم های ساز برای تولید آهنگی سریع)، دستکاری در طنین صدا و بداهه نوازی درآمیخته است.
به لحاظ تاریخی، کولی ها اغلب به عنوان نوازندگان دوره گرد و فروشندگان خانه به دوش زندگی کرده اند و موسیقی شان بیش از همه در میان خودشان، بخصوص در جشنواره ها و مراسم ها زنده است. نوازندگان کولی در سراسر منطقه ی بالکان و اروپای مرکزی با نوازندگی در مراسم های عروسی روستاییان امرار معاش می کردند. آنها دائم در سفر بودند. از این رو با موسیقی های فولکلور محلی آشنا شدند و آنها را به کسب و کار پر رونق منحصر به فرد خود افزودند و یک موسیقی ترکیبی عوام پسند خلق کردند.کولی ها احتمالا بارها با موسیقی دان ها و مطرب های یهودی اروپای شرقی نواخته اند.
به لحاظ تاریخی، اقوام کولی به دلیل سیاست های تبعیض آمیزی که مانع از هم آمیزی کامل می شد، در حاشیه ی شهرستان ها و روستاها زندگی می کردند و این پیشینه، مضامین این نوع موسیقی را معلوم کرده است: جشن و سرور، عشق، نوشیدن، زندگی، و بازی های روستایی.

موسیقی کولی-گذرموسیقی
گوناگونی احساسات
موسیقی کولی سوزناک و اندوه آور است و زیرژانرهایی دارد مشتمل بر آواز های غنایی با گام های آهسته که کارکردش به نوعی تخلیه ی احساسات و عواطف یا برون ریزی غم های مشترک است.
در عین حال رقص های کولی تند و شاد است.این رقص ها نوعی نیروی رانش پر تکاپو فراهم میکنند که میتواند به مراسم های طولانی و چند روزه ی عروسی ها و جشنواره های کولی نیرو برساند.
در سده ی نوزدهم فعالان جنبش ملی گرایی در اروپا شرقی و مرکزی از فرهنگ کولی ها بهره بردند.موسیقی دان هایی همچون فرانتس لیست،پیانیست خوش قریحه و بعدتر بلا بارتوک آهنگساز در ساخت آهنگ کلاسیکشان، عناصری از سنت موسیقی کولی ها را به عاریت گرفته اند.
با این حال در خلال سده ی بیستم فرهنگ کولی در دوره ی حکومت نازی ها ، اتحاد شوروی و کشورهای بلوک شرق در معرض ظلم و همگون سازی قرار داشت.
فیلم سینمایی دوران کولی ها (1988) ساخته ی امیر کوستریتساف کارگردان بازیگر و موسیقیدان صربستانی درباره ی کولی ها به مخاطبان غربی آگاهی داد و بستری فراهم کرد برای موسیقی گوران بِرِگوویچ، آهنگساز بوسنیایی که یک دسته ی همنواز چهل تایی متشکل از یک دسته ساز های بادی برنجی، بگ پایپ ها، یک دسته ی ساز های زهی و یک کُر مردانه را رهبری میکند.

 

موسیقی کولی-گذرموسیقی

موسیقی معاصر برای پیانو | گذرموسیقی

کارگاه موسیقی معاصر برای پیانو

اصول نوازندگی و آهنگسازی 

در این کارگاه ابتدا بحث با آشنایی خود مکانیزم پیانو و تاریخچه آن و مدل های مختلف شروع شد ، از پیانو هایی با در ابتدا کمتر از 88 کلاویه داشتند تا پیانو هایی که با بیشتر از 88 کلاویه ساخته شدند.
از مدل های مختلف پیانو می توان به (Prepared piano ، Upright piano و grand piano) اشاره کرد . و در ادامه تکنیک هایی برای (Prepared piano و grand piano) و روش های برای پدال گیری و حتی تولید صدا با پدال از تکنیک های معاصر نوازندگی بیان شد و همچنین تکنیک های برای تولید اکورد های کلاستر به روش های مختلف مانند استفاده از ساعد دست و…. .
اما در بخش اهنگسازی معاصر ، این بخش با احساس نیاز آهنگسازان به رنگ آمیزی های صوتی متفاوت از دوره امپرسیونیسم اغاز شد و تا موسیقی سریالیسم و موسیقی شانسی یا ( chance music) و در انتها mix media ادامه یافت .
و در بخش chance music به بررسی برخی کار های جان کیج آهنگساز این مکتب پرداخته شد .
و در ادامه و در بخش mix media با کارهای بسیار جالبی از اهنگسازان جدید و نوعی کنسرت های متفاوت مانند:
Disklavier
computer and piano
speaking piano
اشاره کرد .
در انتها این در این کارگاه هنر جویان با تکنیک های مختلف نوازندگی معاصر پیانو و سبک ها و تکنیک های اهنگسازی و نت نویسی جدید در دنیا آشنا شدند و با کنسرت ها و اهنگسازان مطرح این سبک ها آشنا شدند.

گردآورنده: سهند مالکی

 

 

موسیقی معاصر- گذرموسیقی

 

 

 

 

 

 

 

 

موسیقی سماع و قومی / گذرموسیقی

استفاده از موسیقی در مراسم قومی و سماعی

سماع-گذرموسیقی

استفاده عملی از موسیقی در برنامه‌های شفا و درمان، در گذشته ایران، بیشتر در دو شکل و روش رواج داشته، اول روش قومی و دوم روش سماعی که در مورد روش سماعی به اختصار توضیح داده می‌شود.

روش سماعی

بعد از اسلام روش دیگری به نام سماع در ایران شکل گرفت که در مواقعی برای تزکیه و شفا و درمان بیماران مورد استفاده قرار گرفته و موسیقی، اذکار و حرکت‌های موزون ابزار آن بوده است. سماع در لغت به معنای گوش دادن به آواز خوش و نیکوست. به عبارتی تأثیرگذاری از راه نیکو شنیدن که با پیام ذکر و تأثیر و تحرک آن با ریتم و حرکت‌های موزون و موسیقی همراه گردیده است. عارف و مرشد با آواز و اذکار معنوی و گاهی حرکت‌های موزون و رقص‌های سماعی شور و جدی در مریدان ایجاد می‌کرد. شور و حالی که به قصد از خود بی‌خودی برای ارتباط و اتصال معبود است. مراسم سماع در شکل امروزی آن بعد از خلفای راشدین در دوره‌های اموی و عباسی به وجود آمد. در دوران ایران اسلامی سماع یکی از ابزار‌های تمرینی عارفان و اهل تصوف شد و شعرا و بزرگان از آن به‌عنوان تمرینی برای القای افکار و اذکار و انگیزه و تحرک خود به شنوندگان استفاده فراوان می‌بردند. در واقع، تمرین و صحنه‌ای از مشاهدات شهودی از جمله روشن‌بینی و الهام و جذبه‌های روحی بود.

سماع و درمان

در گذشته برگزاری مراسم سماع شیوه‌های متعددی داشته و مکتب‌های مختلف تصوف آداب و شرایط متفاوتی را برای انجام آن پیشنهاد می‌کردند. خانقاه‌ها مکان سماع بوده‌اند و عارفان با تنی چند از نوازندگان، خوانندگان و شاعران در این جلسه‌ها حضور می‌یافتند. آنها با لباس فاخر و خرقه‌های بلند و آستین‌های طراز‌دار در جلسه‌ها شرکت می‌کردند. عارفان غالباً زمان و مکان و افراد خاصی را جهت انجام سماع در نظر می‌گرفتند. امام محمد غزالی و ابوالمفاخر به سه عامل زمان، مکان و اخوان در برپایی جلسه تأکید داشتند. آنها زمانی را مناسب سماع می‌دانستند که افراد اشتغال ذهنی نداشته باشند و آسوده و فراغ بال در جلسه‌ها حضور یابند و مکانی را مجاز می‌دانستند که متعلق به فرد درستکاری باشد. کسانی را در مراسم شرکت می‌دادند که از لحاظ اخلاقی، افراد منزه و آشنایی باشند. بعضی از عارفان به مریدان خود توصیه می‌کردند که سراپا گوش باشند و به اطراف نظر نیندازند؛ برخی دیگر وجد، پایکوبی و رقص را مجاز می‌دانستند و در هنگام سماع حالت‌های هیجانی و روحی زیادی را از خود بروز می‌دادند. غالباً عارفان سماع را برای افراد دردمند و دلسوخته و یا شیدامنش توصیه می‌کردند تا تخلیه و آرامش یابند. به‌طور کلی، قصد عارفان از برپایی جلسه‌های سماع و توصیه‌هایی که در چند و چون آداب آن کرده‌اند برای تزکیه و آرامش درونی مریدان بوده و کم و بیش مؤثر واقع می‌شده است. به‌طور کلی، جلسه‌های سماع تا حدودی به لحاظ روحی برای القای مفاهیم دینی و آرامش کمک‌هایی می‌کرده و موجب تقویت روحی شرکت‌کنندگان می‌شده است.

گردآورنده ریحانه لطفی

 

کلید های موسیقی | گذر موسیقی

کلیدها یکی از رایج ترین نمادهایی هستند که در موسیقی مشاهده میکنید و اولین چیزی است که در آغاز یک قطعه ظاهر می شود. پس بهتر است درباره ی این کلید ها بیشتر بدانید:

Treble Clef یا کلید سل

کلید سل رایج ترین کلید در موسیقی است. نمادی که برای کلید سل استفاده شده است مانند حرف “G” است که قسمت پایین آن خط دوم را دربر میگیرد. این نشان می دهد که نُت خط دوم G است. به همین دلیل این کلید به G clef نیز معروف است.بسیاری از سازهای کوبه ای ، برنجی و کوبه ای تنظیم شده با دامنه بالاتر از کلید سل استفاده می کنند. روی پیانو نیز این کلید با دست راست نواخته می شود.

کلید سل- گذرموسیقی

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bass Clef یا کلید فا

کلید بعدی، کلید فا است. نمادی که برای کلید فا استفاده شده است مانند یک ویرگول برعکس با دو نقطه در سمت راست آن است و نقطه ها بین خط چهارم قرار دارد که نشانگر قرار دادن نُت فا است. به همین دلیل است که به کلید فا نیز معروف است. سازهای موسیقی در محدوده پایین تر ، مانند گیتار باس ، از کلیدفا استفاده می کنند. روی پیانو نیزاین کلید با دست چپ نواخته می شود.

وقتی کلید فا روی خط سوم قرار گیرد، کلید بارتون نامیده می‌شود. این کلید دیگر مورد استفاده نمی‌باشد. قبلاً، از آن برای نوشتن بخش باریتون در موسیقی آوازی استفاده می‌شده‌است.

وقتی کلید فا روی خط پنجم قرار می‌گرفت، به آن کلید باس پایین گفته می‌شد. نت‌خوانی این کلید مانندِ کلید تربل بوده، اما در حقیقت نتها دو اکتاو پایین‌تر بودند. این کلید دیگر مورد استفاده نیست. قبلاً، از آن برای نوشتن بخش‌های پایین باس استفاده می‌شد (برای مثال در کارهای هنریش شوتز).

 

کلید فا- گذرموسیقی

 

 

 

 

 

 

 

C Clef کلید دو

قسمت مرکزی کلید دو به نت دو اشاره می کند. درواقع قسمت مرکزی این نت روی خط سوم قرار میگیرد و آن را کلید دو  هم می نامند. در هنگام نواختن ویولا از کلید آلتو استفاده می شود. وقتی قسمت میانی شکاف کلید دو  به خط چهارم اشاره کند. در سازهای موسیقی مانند کنترباس و باسون از این کلید استفاده می شود.

وقتی کلید دو روی سومین خط حامل قرار می‌گرفت، به آن کلید آلتو گفته می‌شد. در تمامی کلیدهای دو، این خط نشانگر نت دو وسط است. این کلید (گاهی نیز کلید ویولا نامیده می‌شود) اکنون برای ویولا، ویولا داگامبا و ترمبون آلتو استفاده می‌شود.

وقتی کلید دو روی خط چهارم قرار می‌گیرد، به آن کلید تنور گفته می‌شود. از این کلید برای نت‌نویسی محدوده بالایی باسون، ویلن سل، یوفونیوم، کنتر باس و ترومبون (که همگی از کلید باس در پایین و وسط محدوده صوتیشان استفاده کرده، و در محدوده صوتی بسیار بالا، کلید سل مناسب‌تر است)

در گذشته، کلید دو گاهی روی خط پنجم قرار گرفته و کلید باریتون نامیده می‌شد، همانند کلید فای خط سوم، که هر دو دقیقاً یکی بودند. به دلیل این برابری، این کلید به ندرت در گذشته‌استفاده می‌شده.

 

کلید دو- گذرموسیقی

 

 

 

 

 

 

کلید ریتم Clef

کلید ریتم با نام کلید خنثی کلید پرکاشن  نیز شناخته می شود. بر خلاف سایر کلیدها ، این کلید ریتم را نشان می دهد نه گام ها را. این نوع کلید هنگام نواختن سازهایی مانند مجموعه درام ، گانگ ، ماراکاس ،مورد استفاده قرار می گیرد.

کلیدریتم- گذرموسقی

 

 

 

 

 

 

 

فراخوان نامه ای به کرونا | گذر موسیقی

نامه ای به کرونا|گذر موسیقی

 

فراخوان نامه ای به کرونا 🎫

برای کرونا نامه ای بنویسید
نامه ای به کرونا بنویسید و عکس نامه خود را همراه ضبط خوانش آن ارسال نمایید
مهلت ارسال تا ۲۰ بهمن ماه ۱۳۹۹@gozaracademy
از افكار و نگرانی ها ، دو راهی های خود ، از دستاوردهای معنوی و همچنین ازفراز و نشیبهای این دوره بگویید
و آنها را به خط گذر موسیقی 09393298409 ارسال کنید .
*براي شركت در اين فراخوان هيچ محدوديت سنى وجود ندارد و لطفا نامه خود را به هر زباني كه دوست داريد در صفحه A4 بنويسيد

نکات مثبت کلاس موسیقی آنلاین و آموزش مجازی ساز ها | گذر موسیقی

ONLINE CLASSES

 

‎بسیاری از مزایای آموزش بصورت آنلاین شامل موارد زیر است:

‎*  دروس آنلاین گزینه بسیار خوبی است زیرا طیف گسترده ای از معلمین را در اختیار شما قرار میدهد. شما فارغ از اینکه در شهر شما مستقر هستند یا نه ، تعداد گسترده ای از معلمان آنلاین را برای انتخاب خواهید کرد

*بهترین قسمت در مورد کلاس های آنلاین این است که ، برای رفتن به استودیوی معلم خود لازم نیست سوار ماشین خود شوید یا سوار اتوبوس شوید. می توانید به راحتی از خانه خود موسیقی یاد بگیرید

* پس از یک درس موسیقی که معلم شما همه نکات عالی را به شما می آموزد ناامیدکننده است اگر پس ازرفتن به خانه ، روز بعد نیمی از گفته های آنها را فراموش کرده باشید، بعلاوه ، هنگامی که شما یک ساز موسیقی را در دست دارید ، یادداشت برداری مداوم دشوار است. به همین دلیل است که توانایی ضبط کردن درس ها بسیار عالی است ، زیرا در این صورت می توانید دوباره برگردید و دوباره آن را تماشا کنید ، و همه نکاتی را که ممکن است فراموش کرده باشید را انتخاب کنید.

* احتمال لغوشدن کلاس بسیار کمتر است، زیرا اگر شما یا معلم خود بیمار هستید (و از همه بدتراگربیماری شما مسری باشد) لازم نیست برنامه ریزی کلاس شما تغییر کند.آنلاین بودن به این معنی است که اگر احساس خوبی دارید ، می توانید آن درس را بخوانید و دیگر نگران آلوده شدن معلم خود یا برعکس نیستید!

* برای معلم شما آسان است که نت موسیقی را به صورت آنلاین به اشتراک بگذارد یا برای شما ارسال کند ، در حالی که فقط چند کلیک با کتابخانه آنلاین فاصله دارید و می توانید کتاب های موسیقی خوبی را تحویل بگیرید.

*شرایط و امكانات فردی هر كس متفاوت است. همچنین ، نوع سازهایی که یاد می گیرید با آنها بنوازید ممکن است بر تجربه آنلاین شما تأثیر بگذارد. دروس آنلاین شاید چالش برانگیزتر از دروس حضوری باشد. با این حال نوع ساز شما ، کیفیت دوربين شما ( وب كم ) و سرعت اینترنت نیز بستگی دارد.

 

فواید تمرین گام نوازی در موسیقی | گذر موسیقی

SCALES

آیا از نواختن گام ها در پیانو لذت میبرید؟

اگر موسیقی غذایی برای روح انسان باشد، آنگاه میتوان گفت گام ها سبزیجات موسیقی هستند…. همه ی ما میدانیم سبزیجات بسیار مفید هستند اما ( اگر صادقانه صحبت کنیم) بسیاری از انسان ها از خوردن آنها لذت نمیبرند.مطمئنا ، به عنوان گرم کردن انگشتان می توانیم گام نوازی و آرپژ نوازی ها را تحمل کنیم، اما بیشتر هنرجویان پیانو و پیانیست ها ترجیح میدهند وقت خود را صرف قطعاتی کنند که از نواختن آنها لذت میبرند و عاشق آنها هستند.بنابراین واقعا این گام ها چقدر ضروری هستند؟ نظرات مختلفی در این باره وجود دارد.

برخی از فوایدی گام نوازی شامل این موارد است:آگاهی شما را نسبت به شناخت گام و تنالیته و دانش راجع به همه سرکلید را افزایش می دهد و به شما کمک می کنند انگشتان سریع و چابکی داشته باشید .گام و آرپژ بخش زیادی از آنچه مردم به عنوان موسیقی دشوار برای نواختن تصور می کنند را تشکیل می دهد بنابراین یک دانش آسان از آنها ضروری است. به خصوص وقتیکه بداهه نوازی کنید به شما کمک بسیار زیادی می کند.و به شما می آموزد که چگونه انگشت شست خود را که پایه و اساس تمام نوازندگی پیانو است حرکت دهید ، همچنین گام ها به ایجاد هماهنگی بین دو دست و به تقویت قدرت انگشت کمک می کنند .گام نوازی به بهبود جغرافیای کلاویه های پیانو یک هنرجو،  و در ایجاد حس ریتم قوی کمک می کند .همچنین بهبود آرتیکولاسیون ( فن بیان) و سرعت که برای نواختن پیانو بسیار مهم هستند.گام ها باید در حدود پنج تا ده دقیقه از یک دوره تمرین معمول سی دقیقه ای تمرین شوند، اما برای دوره های طولانی تر یک ساعته ، ممکن است حدود بیست دقیقه از  زمان تمرین را اشغال کنند.به هر حال، مدت زمانی که هنرجو به تمرین گام های پیانو اختصاص می دهد به سن ، قاطعیت و سطح او بستگی دارد.

 

تاریخچه ساز پیانو و نخستین نوازنده پیانو در ایران | گذر موسیقی

اولین-پیانیست-زن-ایرانی-1

اولین پیانو در سال 1805 با محموله ای از هدایا که شامل پرتره ، مبلمان و ساعتهایی بود که توسط ناپلئون بناپارت برای شاه ایرانی ، فتحعلی شاه قاجار ارسال شده بود ، وارد ایران شد. کسی تا آن زمان نه شکل پیانو دیده بود و نه نواخته بود. این پیانو سال های سال، به عنوان یک مبلمان دکراتیو در تالار سلطنتی قرار گرفته بود.

شصت و هفت سال بعد، در سال ۱۸۷۳ ناصرالدین شاه که در سفر پاریس، از یک نمایشگاه پیانو دیدن می کرد، به یاد پیانوئی افتاد که ناپلئون به جدش هدیه کرده بود و همان موقع چهار دستگاه پیانو سفارش داد که یکی دو ماهی بعد به ایران رسید ولی مشکل اصلی همچنان باقی ماند. کسی نبود که بتواند آن را بنوازد. سرانجام طلسم شکست و محمد صادق خان سرورالملک، نوازنده سنتور دربار پشت پیانو نشست. البته آن چه می نواخت به دل نمی نشست. مثل سنتوری صدا می داد که کوک نداشته باشد. از همین جا محمد صادق خان کشف کرد که می شود کوک پیانو را هم مانند سنتور عوض کرد. به هر حال او را باید نخستین نوازنده پیانو در ایران به حساب آورد. او حتی مدتی پیانو نواختن را به دختران ناصرالدین شاه می آموخت. از این تاریخ زندگی پیانو در ایران آغاز می شود.با آمدن لومر فرانسوی که برای سرپرستی موسیقی نظام به ایران آمده بود، راه برای ورود سازهای غربی از جمله پیانو هموار شد. لومر برای نخستین بار آهنگ های روستائی ایران را نیز برای پیانو تنظیم کرد و خود، آن ها را نواخت. می شود گفت که لومر و شاگردان او (غلامرضا مین باشیان، معتمد الدوله یحیائیان و محمود مفخم) از نخستین ترویج کنندگان پیانو نوازی در ایران بوده اند تا آن جا که گروه های موسیقی سنتی که بعدها به وجود آمدند نیز ترغیب شدند پیانو را به کار بگیرند، از جمله درویش خان، موسیقیدان برجسته آن زمان پیانو را نیز وارد ارکستر انجمن اخوت کرد و نواختن آن را به مشیر همایون شهردار سپرد. همراه با پیانو، یک رشته مفاهیم موسیقی بین المللی نیز وارد فرهنگ موسیقائی ایران شد، مثل ارکستر، کنسرت، گام، آکورد، پوزیسیون، رسیتال، آکومپانیمان، سلو، دوئت، اپرت، اپرا و آنتراکت.

نام های ماندگار:

از سوی دیگر کلاس های پیانو شاگردان بسیاری پیدا کرد و در کوتاه مدت، شمار زیادی پیانو نواز ایرانی و بین المللی پرورش یافتند و بعضی از آن ها در سطح جهانی به شهرت رسیدند. از جمله می توان از رافی پتروسیان، کیتی امیر خسروی، تانیا آشوت هارتونیان، امانوئل ملیک اصلانیان، پری برکشلی نام و … برد.دو نفر از تأثیرگذارترین پیانو نوازان در حوزه موسیقی ایران مرتضی محجوبی و جواد معروفی بودند.