برای کرونا نامه ای بنویسید
نامه ای به کرونا بنویسید و عکس نامه خود را همراه ضبط خوانش آن ارسال نمایید
مهلت ارسال تا ۲۰ بهمن ماه ۱۳۹۹@gozaracademy
از افكار و نگرانی ها ، دو راهی های خود ، از دستاوردهای معنوی و همچنین ازفراز و نشیبهای این دوره بگویید
و آنها را به خط گذر موسیقی 09393298409 ارسال کنید .
*براي شركت در اين فراخوان هيچ محدوديت سنى وجود ندارد و لطفا نامه خود را به هر زباني كه دوست داريد در صفحه A4 بنويسيد
جمعه نوزدهم دیماه ساعت بیست و یک به صورت زنده در صفحه اینستاگرام “گذرموسیقی”
@gozaracademy
رزومه افشین ترابی:
افشین ترابی دکترای خود را در زمینه موسیقی ، نوازندگی گیتار کلاسیک در دانشگاه لاوال کانادا زیر نظر ریچارد پره و رمی بوچر و میشل کاردین دریافت کرد. پایان‌نامه او تحت عنوان “انطباق سوناتهای سیلویوس لئوپولد ویس برای گیتار مدرن” است. ، و همچنین فوق دکترا نوازندگی خود را با بورس تحقیقات از FESR”
در دانشگاه مونکتون با میشل کاردین با موضوع “تجزیه و تحلیل اولیه از 14 سونات در مجموعه به اصطلاح بلوغ ویس” را دریافت کرد.
افشین ترابی تحصیلات خود را در “کالج موسیقی گسین” ، در مسکو انجام داده ، جایی که نزد الکساندر وینیتسکی و نیکیتا کوشکین ، گیتاریست های مشهور روسی، لیسانس خود دریافت کرد سپس در کنسرواتوار موسیقی کبک دیپلم آرتیست و پست گراد خود دریافت کرد و در دانشگاه لاوال کانادا کارشناسی ارشد و دکترای خود را دریافت کرد.
افشین ترابی در فستیوال بینالمللی فجر- فسیتول استانبول- فستیوال گیتارد مند کانادا -گیتار سوسایتی کبک – گیتار سوسایتی مونترال – گیتار سوسایتی ادمونتون- گیتار سوسایتی اتاوا – در گیتار دانشگاه منگتون – دانشگاه مونترال و …. دعوت به اجرای کنسرت – کنسرت کنفرانس شده است
آلبوم افشین از ویس مورد تحسین بسیاری از نوازندگان بزرگ مانند: آندریاس کچ – گوران سولشر – آندره پاپیلون – میشل كاردین – آندره رودریگز – و …. قرار گرفته است
بسیاری از مزایای آموزش بصورت آنلاین شامل موارد زیر است:
* دروس آنلاین گزینه بسیار خوبی است زیرا طیف گسترده ای از معلمین را در اختیار شما قرار میدهد. شما فارغ از اینکه در شهر شما مستقر هستند یا نه ، تعداد گسترده ای از معلمان آنلاین را برای انتخاب خواهید کرد
*بهترین قسمت در مورد کلاس های آنلاین این است که ، برای رفتن به استودیوی معلم خود لازم نیست سوار ماشین خود شوید یا سوار اتوبوس شوید. می توانید به راحتی از خانه خود موسیقی یاد بگیرید
* پس از یک درس موسیقی که معلم شما همه نکات عالی را به شما می آموزد ناامیدکننده است اگر پس ازرفتن به خانه ، روز بعد نیمی از گفته های آنها را فراموش کرده باشید، بعلاوه ، هنگامی که شما یک ساز موسیقی را در دست دارید ، یادداشت برداری مداوم دشوار است. به همین دلیل است که توانایی ضبط کردن درس ها بسیار عالی است ، زیرا در این صورت می توانید دوباره برگردید و دوباره آن را تماشا کنید ، و همه نکاتی را که ممکن است فراموش کرده باشید را انتخاب کنید.
* احتمال لغوشدن کلاس بسیار کمتر است، زیرا اگر شما یا معلم خود بیمار هستید (و از همه بدتراگربیماری شما مسری باشد) لازم نیست برنامه ریزی کلاس شما تغییر کند.آنلاین بودن به این معنی است که اگر احساس خوبی دارید ، می توانید آن درس را بخوانید و دیگر نگران آلوده شدن معلم خود یا برعکس نیستید!
* برای معلم شما آسان است که نت موسیقی را به صورت آنلاین به اشتراک بگذارد یا برای شما ارسال کند ، در حالی که فقط چند کلیک با کتابخانه آنلاین فاصله دارید و می توانید کتاب های موسیقی خوبی را تحویل بگیرید.
*شرایط و امكانات فردی هر كس متفاوت است. همچنین ، نوع سازهایی که یاد می گیرید با آنها بنوازید ممکن است بر تجربه آنلاین شما تأثیر بگذارد. دروس آنلاین شاید چالش برانگیزتر از دروس حضوری باشد. با این حال نوع ساز شما ، کیفیت دوربين شما ( وب كم ) و سرعت اینترنت نیز بستگی دارد.
آیا از نواختن گام ها در پیانو لذت میبرید؟
اگر موسیقی غذایی برای روح انسان باشد، آنگاه میتوان گفت گام ها سبزیجات موسیقی هستند…. همه ی ما میدانیم سبزیجات بسیار مفید هستند اما ( اگر صادقانه صحبت کنیم) بسیاری از انسان ها از خوردن آنها لذت نمیبرند.مطمئنا ، به عنوان گرم کردن انگشتان می توانیم گام نوازی و آرپژ نوازی ها را تحمل کنیم، اما بیشتر هنرجویان پیانو و پیانیست ها ترجیح میدهند وقت خود را صرف قطعاتی کنند که از نواختن آنها لذت میبرند و عاشق آنها هستند.بنابراین واقعا این گام ها چقدر ضروری هستند؟ نظرات مختلفی در این باره وجود دارد.
برخی از فوایدی گام نوازی شامل این موارد است:آگاهی شما را نسبت به شناخت گام و تنالیته و دانش راجع به همه سرکلید را افزایش می دهد و به شما کمک می کنند انگشتان سریع و چابکی داشته باشید .گام و آرپژ بخش زیادی از آنچه مردم به عنوان موسیقی دشوار برای نواختن تصور می کنند را تشکیل می دهد بنابراین یک دانش آسان از آنها ضروری است. به خصوص وقتیکه بداهه نوازی کنید به شما کمک بسیار زیادی می کند.و به شما می آموزد که چگونه انگشت شست خود را که پایه و اساس تمام نوازندگی پیانو است حرکت دهید ، همچنین گام ها به ایجاد هماهنگی بین دو دست و به تقویت قدرت انگشت کمک می کنند .گام نوازی به بهبود جغرافیای کلاویه های پیانو یک هنرجو، و در ایجاد حس ریتم قوی کمک می کند .همچنین بهبود آرتیکولاسیون ( فن بیان) و سرعت که برای نواختن پیانو بسیار مهم هستند.گام ها باید در حدود پنج تا ده دقیقه از یک دوره تمرین معمول سی دقیقه ای تمرین شوند، اما برای دوره های طولانی تر یک ساعته ، ممکن است حدود بیست دقیقه از زمان تمرین را اشغال کنند.به هر حال، مدت زمانی که هنرجو به تمرین گام های پیانو اختصاص می دهد به سن ، قاطعیت و سطح او بستگی دارد.
گیتار آکوستیک
به‌طورکلی، زیرشاخه‌های گیتار آکوستیک شامل گیتار کلاسیک، گیتار فلامنکو و گیتارهای سیم فلزی (steel-string) میشود. خود زیرشاخه‌ی آخر، گیتارهای flat-topped یا فولک گیتار، گیتارهای ۱۲ سیم و گیتارهای arched-top را در بر میگیرد. به‌علاوه، میتوان گیتارهای بدون پیکاپ که ارائه‌کننده‌ی دانگ‌های متفاوت هستند (مثل گیتارهای بیس آکوستیک) را نیز در زمره‌ی گیتارهای آکوستیک دانست.
گیتار کلاسیک
گیتارهای کلاسیک یا گیتارهای اسپانیش، معمولاً دارای سیم‌های نایلونی هستند. این نوع گیتار با انگشت و بدون مضراب و در حالت نشسته نواخته میشود. با این نوع گیتار، انواع موسیقی نواخته میشود؛ ولی اصلی‌ترین سبکی که با این گیتار نواخته میشود، سبک کلاسیک است. دسته‌ی پهن این ساز، باعث فاصله بیشتر بین سیم‌ها میشود و به نوازنده اجازه میدهد، بدون اینکه سیم‌های نزدیک به هم برای او ایجاد زحمت کنند، آکوردها و قطعاتی که در آن آکورد و ملودی به‌صورت هم‌زمان اجرا میشود را راحت‌تر اجرا کند. ساختار گیتارهای فلامنکو شباهت‌هایی با گیتار کلاسیک دارد، ولی معمولاً گیتار فلامنکو صدایی پرکاسیوتر دارد. در پرتغال، گیتارهای مشابه گیتار کلاسیک با سیم فلزی برای اجرای موسیقی فادو (Fado) به‌کار می‌رود که به آنها Viola گفته میشود. در برزیل، مشابه این ساز با هفت سیم توسط نوازندگان شورو (Choro) نواخته میشود؛ این ساز، به دلیل برخورداری از یک سیم بیس اضافی، بازه‌ی وسیع‌تری از فرکانس‌های بم را پوشش میدهد
فلت-تاپ (Flat-top)
گیتارهای فلت-تاپ (Flat-top) یا سیم فلزی (Steel-String) با گیتارهای کلاسیک شباهت‌هایی دارند؛ اما با وجود اینکه این دسته از گیتارها سایزهای متفاوتی دارند، به‌وضوح از گیتار کلاسیک بزرگ‌تر هستند. این نوع گیتار، دسته باریک‌تری از گیتار کلاسیک دارد، دسته دارای تراس راد است و ساختار کلی آن به‌مراتب قوی‌تر از گیتار کلاسیک است. بریسینگ X (تقویت‌کننده‌های X شکل صفحه‌ی رویی و زیرین) که مختص گیتار سیم فلزی است، در دهه‌ی ۴۰ میلادی توسط گیتارساز آلمانی-آمریکایی معروف، کریستین فردریک مارتین شکل گرفت. سیم‌های فلزی، صدای تیزتر و روشن‌تر و آن‌طور که برخی نوازندگان می‌گویند، صدایی بلندتر و رساتر تولید میکنند. گیتار آکوستیک، در بسیاری از سبک‌ها به کار گرفته میشود؛ از جمله فولک، کانتری، بلوگرس، پاپ، جز و بلوز. انواع گوناگون گیتارهای فلت تاپ، در سایزهای مختلف، از سایز مشابه گیتار کلاسیک، معروف به OO گرفته تا Parlor و سایزهای بزرگ‌تر، یعنی دردنات (Dreadnought) و جامبو (Jumbo) ساخته می‌شوند. کمپانی Ovation، مدل مدرنی را می‌سازد که در ساخت پشت قوس‌دار و اطراف آن، از مواد مصنوعی استفاده میشود.
آرچ‌تاپ (Archtop)
گیتارهای Archtop، گیتارهای سیم فلزی هستند که در ساختار آنها، صفحه‌ی رویی و صفحه پشتی بدنه دارای قوسی محدب است. ابداع این ساختار شبه ویولن، به اورویل گیبسون و لوید لور از کمپانی گیبسون منتسب است. این طراحی، دارای شیارهای f شکل ویولنی به‌جای حفره صدا است که امروزه تقریباً روی تمامی گیتارهای archtop به چشم می‌خورد. گیتارهای archtop، همگی دارای بدنه‌ی توخالی عمیق و بزرگ با فرمی شبیه ماندولین یا خانواده ویولن‌ها هستند. امروزه اکثر این گیتارها، به پیکاپ‌های مغناطیسی مجهز هستند و به همین علت، این سازها هم آکوستیک و هم الکتریک هستند. گیتارهای Archtop، خیلی زود توسط نوازندگان جز و کانتری به‌کار گرفته شدند و تا به امروز، همچنان مورد علاقه و استفاده‌ی نوازندگان جز باقی مانده‌اند.
Resonator, Resophonic یا Dobro
گیتارهای رزنیتور (Resonator) سه نوع اصلی دارند که هر سه، توسط جان دوپیرا (John Dopyera)، مخترع اسلواک ـ آمریکایی، برای کمپانی‌های National و Dobro ابداع شدند. این گیتارها ظاهراً خیلی شبیه به گیتارهای Flat-top هستند، اما بدنه‌ی آنها از برنج، نیکل-نقره یا فولاد و در برخی مدل‌ها، از ترکیب این موارد با چوب ساخته میشود. صدای گیتارهای Resonator، توسط یک یا سه دیافراگم آلومینیومی که در وسط صفحه‌ی رویی قرار دارد، تقویت و تولید میشود. تولید صدا در این نوع گیتارها، بسیار شبیه به تولید صدا توسط بلندگوها است. هدف اصلی از ساخت آنها، تولید صدایی بسیار بلندتر بود؛ که البته با حضور آمپلیفایرهای گیتار، این هدف کنار زده شد. ولی گیتارهای رزنیتور، به خاطر صدای خاصشان، جذابیت خود را حفظ کردند و حتی امروز نیز توسط گیتاریست‌ها مورد استفاده قرار می‌گیرند. همان‌طور که گفته شد، این دسته از سازها ممکن است یک یا سه دیافراگم آلومینیومی داشته باشند.
گیتار الکتریک
به‌طورکلی، سه نوع گیتار الکتریک وجود دارد: سالید بادی، سمی-هالو بادی و هالو بادی. سالید بادی‌ها، به‌واسطه بدنه‌ی ساخته شده از یک قطعه چوب تو پُر، به‌تنهایی صدای زیادی تولید نمی‌کنند؛ بلکه ارتعاش سیم‌ها از طریق پیکاپ‌های مغناطیسی به سیگنال الکتریکی تبدیل شده و این سیگنال در آمپلیفایرها به صدا تبدیل می‌شوند. کلاً دو نوع پیکاپ مغناطیسی وجود دارد: سینگل کویل و دابل کویل یا همان هامباکر. هر یک از این دو پیکاپ، می‌توانند به‌صورت اکتیو یا پسیو کار کنند.
گیتار الکتریک، به‌صورت گسترده در انواع سبک‌های جز، بلوز، R&B و راک اند رول استفاده شده است. پیکاپ مغناطیسی توسط جرج بیچام (George Beauchamp) ابداع شد و در لپ استیل مدل ۱۹۳۱ شرکت Ro-Pat-In (که همان Rickenbacker امروز است) به‌کار گرفته شد. تولیدکنندگان دیگر، مخصوصاً گیبسون، به‌سرعت این پدیده‌ی جدید را در مدل‌های Archtop خود به‌کار گرفتند. پس از جنگ جهانی دوم، دو گیتار کاملاً سالید بادی، یکی از طریق همکاری گیبسون و لس پال و دیگری توسط لئو فندر معرفی شد. اکشن پایین، سیم‌های نرم‌تر و باریک‌تر و استفاده از امپ، امکانات جدیدی را در اختیار نوازندگان قرار داد که پیش از آن، امکان انجام آنها با گیتارهای آکوستیک وجود نداشت. از جمله‌ی آنها میتوان به تپینگ (Tapping)، همر-آن (Hammer-on) و پول-آف (Pull-off) (که اجرای لگاتو نوازی را ممکن ساخت)، Tapped harmonics و Volume swell و استفاده از ترمولو آرم و افکت‌های گیتار اشاره کرد.
اجزاء و قسمت‌های تشکیل‌دهنده‌ی گیتار
۱- هِد یا هِداستاک:در کشور ما، از این قسمت با عنوان سردسته نیز یاد میشود. هداستاک، بخشی است که کوک‌های گیتار روی آن نصب میشود. به‌علاوه، سردسته، به نوعی، نقش معرف برند و سازنده‌ی ساز را نیز ایفا می‌کند. به این ترتیب که مثلاً فندر، گیبسون یا مارتین، هریک شکل هداستاک ویژه خود را دارند و این امر، یک نوع علامت انحصاری برای هر یک از این کمپانی‌ها محسوب میشود. ضمن این که لوگوی برند سازنده نیز در این بخش از گیتار چاپ یا حک میشود.
۲- تیونینگ کی یا تیونینگ ماشین:در زبان فارسی، به این بخش از گیتار کوک گفته میشود؛ ولی بین برخی از نوازندگان ایرانی، واژه‌های غیر فارسی مانند تیونینگ ماشین، تیونر و تیونینگ پِگ نیز رواج دارد که همگی عباراتی مصطلح برای اشاره به کوک‌ها هستند. وظیفه‌ی کوک‌ها، کشیدن سیم‌ها و نگهداری کوک سیم‌ها است.
۳- نات:این بخش، نزد برخی نوازندگان و علاقه‌مندان گیتار، به خرک سردسته یا خرک اول نیز مشهور است. نات قطعه‌ای است از جنس استخوان یا مواد مصنوعی مشابه که در انتهای فینگربورد قرار گرفته است. این قطعه، سیم‌ها را با فاصله‌ای مشخص از یکدیگر و از سطح فینگربورد نگه می‌دارد. دقت در ساخت این بخش، نقش مهمی در صدادهی صحیح نت‌ها و خوش‌دستی ساز ایفا می‌کند.
۴- نِک یا دسته:دسته‌ی گیتار، ضمن اینکه باید در مقابل کشش سیم‌ها مقاوم باشد، بخش مهمی از صدای گیتار را شکل میدهد. شکل برش عرضی نک گیتار، پروفایل نامیده میشود. حروف “C”, “D”, “V” یا “U”، برای اشاره به شکل برش عرضی دسته به کار می‌روند. بنابراین وقتی می‌گوییم دسته با پروفایل “C”، به این معناست که اگر دسته را از عرض برش دهیم و به آن نگاه کنیم، به شکل حرف لاتین “C” خواهد بود. انتخاب از میان پروفایل‌های مختلف، به اندازه‌ی دست و سلیقه‌ی نوازنده و گاهی به سبک مورد نظر نوازنده بستگی دارد و امری شخصی است.
۴- فرت‌ها:فرت‌ها یا باره‌ها، میله‌هایی هستند که روی فینگربورد، به‌صورت موازی و با فواصلی مشخص از یکدیگر نصب شده‌اند. با قرار دادن انگشت پشت هر یک از فرت‌ها، طول سیم به مقداری مشخص کوتاه میشود و در نتیجه، سرعت ارتعاش سیم بیشتر می‌گردد و نت بالاتری تولید میشود. فاصله فرت‌ها از یکدیگر، به‌نحوی محاسبه شده است که هر فاصله، نت‌ها را یک نیم‌پرده تغییر دهد. جنس و ضخامت فرت‌ها و کیفیت کارگذاری آنها، تأثیر زیادی روی حس، صدادهی و عملکرد گیتار دارد.
۵- فینگربورد:فینگربورد، تخته‌ی مسطحی است که روی دسته چسبانده میشود و فرت‌ها روی آن سوار می‌شوند. این بخش، معمولاً از چوب مِیپل (افرا)، رُزوود (rosewood) یا آبنوس (ebony) ساخته میشود و انتخاب هر یک از این چوب‌ها، تأثیراتی بر صدا و کارایی گیتار می‌گذارد. با اینکه فینگربورد به نظر مسطح می‌آید، ولی دارای انحنایی در عرض است که از آن با عبارت ریدیس یاد میشود. به‌تبع این انحنا، فرت‌ها نیز دارای انحنای مشابه هستند.
۶- پوزیشن مارکر یا اینلِی‌ها:برای اینکه نوازنده بتواند به‌سادگی موقعیت انگشتان خود را روی فینگربورد پیدا کند، نقطه‌گذاری‌هایی روی فینگربورد و کنار آن انجام میشود که از آنها با اصطلاح اینلِی (inlay) یا پوزیشن مارکر (position marker) یاد میشود. به‌علاوه، اینلِی‌ها نقشی تزئینی نیز ایفا میکنند؛ به همین علت، بسته به قیمت و کلاس گیتار، در نشانه‌گذاری فینگربورد، از مواد تزیینی مثل صدف و … استفاده میشود. برندهای مختلف، اشکال گوناگونی از نشانه‌گذاری را به کار می‌گیرند. مثلاً گیبسون شکل ذوزنقه‌ای یا مستطیلی را ترجیح میدهد، درحالیکه فندر تنها به نقطه اکتفا می‌کند. البته این قانون صد درصد نیست، چرا که هر دو این برندها، از اشکال دیگر، هم در گیتارهای تولید انبوه و هم در گیتارهای سفارشی خود بهره می‌گیرند.
اولین پیانو در سال 1805 با محموله ای از هدایا که شامل پرتره ، مبلمان و ساعتهایی بود که توسط ناپلئون بناپارت برای شاه ایرانی ، فتحعلی شاه قاجار ارسال شده بود ، وارد ایران شد. کسی تا آن زمان نه شکل پیانو دیده بود و نه نواخته بود. این پیانو سال های سال، به عنوان یک مبلمان دکراتیو در تالار سلطنتی قرار گرفته بود.
شصت و هفت سال بعد، در سال ۱۸۷۳ ناصرالدین شاه که در سفر پاریس، از یک نمایشگاه پیانو دیدن می کرد، به یاد پیانوئی افتاد که ناپلئون به جدش هدیه کرده بود و همان موقع چهار دستگاه پیانو سفارش داد که یکی دو ماهی بعد به ایران رسید ولی مشکل اصلی همچنان باقی ماند. کسی نبود که بتواند آن را بنوازد. سرانجام طلسم شکست و محمد صادق خان سرورالملک، نوازنده سنتور دربار پشت پیانو نشست. البته آن چه می نواخت به دل نمی نشست. مثل سنتوری صدا می داد که کوک نداشته باشد. از همین جا محمد صادق خان کشف کرد که می شود کوک پیانو را هم مانند سنتور عوض کرد. به هر حال او را باید نخستین نوازنده پیانو در ایران به حساب آورد. او حتی مدتی پیانو نواختن را به دختران ناصرالدین شاه می آموخت. از این تاریخ زندگی پیانو در ایران آغاز می شود.با آمدن لومر فرانسوی که برای سرپرستی موسیقی نظام به ایران آمده بود، راه برای ورود سازهای غربی از جمله پیانو هموار شد. لومر برای نخستین بار آهنگ های روستائی ایران را نیز برای پیانو تنظیم کرد و خود، آن ها را نواخت. می شود گفت که لومر و شاگردان او (غلامرضا مین باشیان، معتمد الدوله یحیائیان و محمود مفخم) از نخستین ترویج کنندگان پیانو نوازی در ایران بوده اند تا آن جا که گروه های موسیقی سنتی که بعدها به وجود آمدند نیز ترغیب شدند پیانو را به کار بگیرند، از جمله درویش خان، موسیقیدان برجسته آن زمان پیانو را نیز وارد ارکستر انجمن اخوت کرد و نواختن آن را به مشیر همایون شهردار سپرد. همراه با پیانو، یک رشته مفاهیم موسیقی بین المللی نیز وارد فرهنگ موسیقائی ایران شد، مثل ارکستر، کنسرت، گام، آکورد، پوزیسیون، رسیتال، آکومپانیمان، سلو، دوئت، اپرت، اپرا و آنتراکت.
نام های ماندگار:
از سوی دیگر کلاس های پیانو شاگردان بسیاری پیدا کرد و در کوتاه مدت، شمار زیادی پیانو نواز ایرانی و بین المللی پرورش یافتند و بعضی از آن ها در سطح جهانی به شهرت رسیدند. از جمله می توان از رافی پتروسیان، کیتی امیر خسروی، تانیا آشوت هارتونیان، امانوئل ملیک اصلانیان، پری برکشلی نام و … برد.دو نفر از تأثیرگذارترین پیانو نوازان در حوزه موسیقی ایران مرتضی محجوبی و جواد معروفی بودند.
پیانو را فردی به نام بارتولومئو کریستو فری در سال ۱۷۰۹ در ایتالیا اختراع کرد. پیش از آن که پیانو اختراع شود از سازی قدیمی به نام هارپسیکورد استفاده می شد.تفاوت اصلی پیانو و سازهای مشابه قبل از اختراع آن این بود که در سازهای قبلی شدت صدای حاصل از فشرده‌شدن یک کلاویه، مستقل از شدت ضربه واردشده بر کلید پیانو، مقداری ثابت بود. اما در پیانو نوازنده قادر بود با ملایم ضربه‌زدن به کلیدها صدایی ضعیف تر ایجاد کند، یا با ضربات محکم‌تر صدایی قوی تر تولید کند. این خصوصیت دلیل مورد توجه قرارگرفتن سریع ساز پیانو توسط آهنگسازان قرن هجدهم میلادی بود.حال در ادامه تاریخچه ساز پیانو میخواهیم ریشه های این ساز را بشناسی
در ساخت پیانو از سازهای گوناگونی الهام گرفته شد. میدانیم که از میان سازهای قبل، هارپسیکورد شبیه‌ترین ساز به پیانو است. هنگامی که سازسازان به فکر ارتقای هارپسیکورد با اضافه کردن مکانیسم اکشن بودند متوجه شدند که برای این کار اساساً، سازی با ساختاری متفاوت با هارپسیکورد لازم است. در کتاب‌های تاریخ پیانو گفته میشود درحقیقت آنچه منجر به تولید نخستین پیانوها شد، ایده گرفتن از سازهایی مثل دولسیمیر یا هتبرک بود که در آنها با استفاده از چکش‌هایی که در دست می‌گرفتند به سیم‌ها ضربه می‌زدند و صدا تولید می‌شد. اولین پیانو در سال 1805 با محموله ای از هدایا که شامل پرتره ، مبلمان و ساعتهایی بود که توسط ناپلئون بناپارت برای شاه ایرانی ، فتحعلی شاه قاجار ارسال شده بود ، وارد ایران شد.
انواع پیانو:
پیانو دیواری
پیانو دیواری _ پیانو آکوستیک _ پیانو
نخستین پیانوی دیواری در سال ۱۷۸۰ در اتریش ساخته شد. بیست سال بعد از آن پیانویی دیواری با سیم‌های عمودی در فیلادلفیا ساخته شد. اما چون صدای آن چندان رضایت‌بخش نبود، پذیرفته نشد.در سال ۱۸۲۶ پیانوی دیواری در اروپا با استقبال زیادی روبه‌رو شد، چرا که در این دوره شخصی به‌نام رابرت ورنوم در مکانیسم پیانوی دیواری تغییر و امکانی ایجاد کرد که دقت و کشش صدا را توامان داشت، تکرار را ممکن میکرد و به کوچکترین تماس دست با کلاویه‌ها واکنش نشان می‌داد. پس از ورنوم، ایگناس پلیل این امکان را برای پیانوهای دیواری خود به‌کار گرفت و در اروپا به نام پلیل مشهور شد. پلیل و سایر شرکت‌ها در فرانسه ساختن نوع خاصی از پیانوهای دیواری را از سر گرفتند که موفقیت آنها بسیار بیش از پیانوهای چهارگوش بود. آلمانی‌ها در سال ۱۸۳۵ تولید پیانوهای دیواری را آغاز کردند و در حدود ۱۸۶۰ پیانوهای چهارگوش را کنار گذاشتند. آلمان در ساختن پیانوهای دیواری بر فرانسه و همچنین انگلیس پیشی گرفت و پیانوهای دیواری سنگین‌تر و قدرتمندتری ساخت که در آنها هر نت سه سیم داشت و یک صفحه آهنی برای سیم‌های نگه‌دارنده به‌کار می‌رفت. این پیانوها درمقایسه با پیانوهای هم دوره خود صدای بهتری داشت.پیانوهای دیواری در ارتفاع های مختلف, با بدنه های متفاوت و انواع مدل ساخت بدنه وجود دارند که بدون شک مورد توجه شما قرار می گیرند. ارتفاع پیانو دیواری چه چرخ داشته باشد چه نداشته باشد از کف زمین تا بالای آن اندازه گیری می شود.دلیل این امر بیشتر به این خاطر است که عرض و معمولاً عمق پیانو ها با کمی تفاوت یکسان است و این ارتفاع ساز است که در حجم بدنه پیانو تاثیر بیشتری را می گذارد، هرچه ارتفاع بیشتر باشد پیانو حجم صوتی بیشتری دارد. حجم صوتی ارتباطی به رنگ یا شفاف و مات بودن صدا ندارد و صرفآ صدای حاصله از این پیانو قوی تر خواهد بود. چرا که پیانو بلند علاوه بر آنکه سیم های طولانی تری دارد صفحه صدای بزرگتری نیز دارد که باعث تولید صدای قوی تر می گردد
پیانو اسپینت
پیانوهای اسپینت معمولاً از کوتاه ترین و ارزانترین نوع پیانوهای دیواری هستند. ارتفاع این پیانوها از حدود ۹۰ سانتیمتر و حداکثر تا ۱۰۰ سانتیمتر ادامه دارد. جعبه صدای آنها کوچک و سیستم انتقال نیرو (Action) آنها ساده ترین شکل خود را دارد. به همین علت، اغلب قیمت مناسبی دارند و برای هنرجویان مبتدی ای که معلوم نیست در آینده نوازندگی را ادامه دهند بسیار مناسب است. فاصله سطح کیبورد تا بلندترین قسمت این پیانوها بسیار کم بوده و حداکثر حدود ۲۰ سانتیمتر است
پیانوی کنسول
ارتفاع پیانو کنسول از حدود ۱۰۰ سانتیمتر شروع می شود و تا حدود ۱۱۰ سانتیمتر ادامه پیدا می کند. ساختمان سازه آن ها به صورتی است که بدنه ای بسیار محکم و بادوام دارند و معمولآ در آموزشگاه ها یا مدارس موسیقی و نیز استودیوها برای تمرین (نه معمولآ ضبط) از آنها استفاده می شود. انواع آمریکایی این پیانوها – که در بازار ایران کم هستند – زیبایی خاصی دارند و روی بدنه بیرونی آنها زیاد کار شده است.
پیانوی دیجیتال
پیانو های دیجیتال از تکنولوژی دیجیتال برای تولید صداها استفاده می کنند و به همین دلیل با پیانو های مکانیکی یا آکوستیک که از سیستم سیم و چکش بهره می گیرند کاملاً متفاوت هستند. صدای این نوع پیانو با الگو برداری از صدای پیانو های آکوستیک درست شده است. به این الگو ها که از همه از روی نت های یک پیانو ساخته شده اند سمپل گفته می شود.این صداها در هنگام نواختن به کمک بلندگوهای پیانو تقویت و پخش می گردد. گرچه سیستم دیجیتال تولید صوت هنوز نتوانسته جایگزین سیستم های آکوستیک که از ارتعاش سیم و انتشار صوت در هوا بهره می گیرند شود ولی این نوع پیانو امروزه به دلیل امکانات و شرایط آسانی که فراهم کرده اند توانسته جایگاه خود را در بازار پر رقابت پیانو تثبیت کرده و نظر بسیاری از کاربران پیانو را به خود جلب کند
پیانوی بزرگ (رویال)
پیانو رویال _ پیانو گرند _ پیانو
گراند پیانو یا پیانوی بزرگ که در فارسی گاهی آن را پیانو رویال نامیده اند. در این نوع، سیم ها به صورت افقی قرار گرفته اند و چکشها از زیر به سیم ها ضربه می زنند. این ساز صدای باشکوه و پرطنینی دارد و بیشتر در سالن های کنسرت و ارکسترهای بزرگ استفاده می شود.البته پیانوهای بسیار زیادی در گذشته رایج بوده‌اند. برای مثال پیانوهای گنجه‌ای، صرافی، میزی، میز منشی، دوطبقه و انواع دیگر. ولی امروزه دیگر آنها رواج ندارند و از پیانوهای پیشرفته تر استفاده میشود
بطور کلی چندین روش به عنوان روشهای آموزش موسیقی کودک در دنیا وجود دارد .تدوین این روشها از ابتدای قرن بیستم ، بنا به ضرورت و نیاز به روشهای موثر و مفید آموزشی، صورت گرفته است. اما همین امر ، وجود آشفتگی و سردرگمی فراوان در امر آموزش موسیقی کودک را بوجود آورده است.
Montessori Claudio او به کودک ، به عنوان یک عامل فعال در فرایند آموزشی خود نگاه میکرد و عقیده داشت که فرآگیری کودک امری آزاد است.مونته سوری ،ابتدا صدا ها را دسته بندی نمود و با شیوه های مختلف ، کودکان را آزمود و تمریناتی را در جهت دقیق شنیدن صداها بعنوان برترین نمود آموزش موسیقی پایه ریزی کرد. وی معتقد بود که بسیاری از فعالیتهای صدایی و غیر صدایی باید به آواز خواندن منجر شود. یعنی بچه ها صداهایی را که می شنوند باید بخوانند. نکته مهم دیگری که در روش مونته سوری حائز اهمیت است، حرکات ریتمیک است که باعث پرورش و رشد جسمانی کودک می شود. برای این منظور، با تغییر سرعت در قطعاتی که توسط پیانو می نواخت ، به کودکان می آموخت که چگونه با حرکات بدنی خود به صداهای مختلفی که با سرعتهای متفاوت اجرا می شوند ،عکس العمل نشان دهند
Kodaly Zoltánزبانشناس و فیلسوف و آهنگساز مجاری بود که از ملودیهای فولکلور، تأثیر بسیار گرفته است. کودای نسبت به یافتن راه کارهایی مناسب برای حل مشکالت آموزش موسیقی، بسیار عالقه مند بود و نوشتههای موثری در زمینه روشهای تحصیل موسیقی و همچنین یادگیری آهنگسازی برای کودکان از خود به جای گذا شت.
Dalcroze Jacques Emile او اعتقاد داشت که سالهای اولیه زندگی برای گسترش مهارتهای پایه ای موسیقی بسیار مهم و زیر بنایی محسوب می شود و یکی از زیر ساختارهای تعلیم و تربیت باید رشد هوش و شعور موسیقایی کودکان باشد. وی سیستمی را تدوین نمود که اساسی ترین آن بداهه خوانی در سلفژ و سرایش بود. اما در عمل با حرکاتی مواجه شد که خودش آنرا اوریتمیک )Orirytmic )نامگذاری کرد. اوریتمیک در حقیقت یک دوره حرکات بود که کودکان را از طریق حرکات فیزیکی به درک مشخصی از مفاهیم و عناصر موسیقی مثل ملودی، ریتم، هارمونی ، سبک وفرم راهنمائی میکرد. او ذهن و جسم را با هم در آمیخت و روشی بر پایه شکل دادن مفاهیم ذهنی توسط حرکات بدن پایه ریزی کرد. در این روش دست زدن، پریدن، مکالمه، آواز خواندن، قدم زدن، خزیدن، لغزیدن و تلو خوردن بکار گرفته میشود. بنابراین می توان نتیجه گرفت که در روش دالگروز حرکات فیزیکی میتواند عنصر زیر بنایی موسیقی برای کودکان باشد. پرورش صدای تک تک کودکان، تقویت بداهه پردازی با انواع اصوات از ویژگیهای مهم روش دالکروز میباشد.در مقایسه روش دالکروز و مونته سوری یک نطقه اشتراک وجود دارد و آن هم اهمیت است که آنها برای آواز خواندن قائل بودند. دالکروز می گوید خواندن حتی اگر یک ربع ساعت طول بکشد باید جزء برنامه هر روز کودکان باشد.
Orff Karl این آهنگسازو موسیقیدان آلمانی ، به خاطر ضعف در آموزشهای بنیادین موسیقی تصمیم گرفت »مدرسه موسیقی و ورزش« را بنیانگذاری کند. او تاکید فراوان بر خالقیت و بداهه پردازی داشت. از ویژگیهای مهم روش ارف می توان کاربردهای درمانی آنرا نام برد. بعنوان مثال، با تاکید بر ریتم و هماهنگی گفتار، تاکید بر حرکات بدنی و نواختن ساز، خواندن آواز، که تاثیر مجموعه این فعالیتها در کسانی که مشکل تکلم دارند باعث تحریک و رشد گفتار وحرکات بدنی می شود.در روش ارف برای آموزش ریتم به کودکان از لغات آشنا و مانوس مثل اسامی حیوانات، گلها، اسامی خود بچه ها، اشیاء و حتی لغاتی که فاقد معانی خاص باشد استفاده می شود. او غالبا از ترانه و ملودیهایی استفاده می کرد که بر اساس آوازها و ترانه ها محلی و رایج ملل مختلف، شکل گرفته بود و از آنجا که گردش ملودی در ترانه های محلی و فولکلور بیشتر در گام پنج صدایی )پنتاتونیک( صورت می گیرد تمرینات و آهنگهای مخصوص کودکان را در این گام تنظیم کرد. شایان ذکر است که در ایران به هرآموزش موسیقی کودک ، ارف می گویند که کامال غلط است و این تنها یکی از سیستم های آموزشی موجود میباشد.
Ville Manhattan روش مانهاتان مانند روش مونته سوری بر مبنای کشف و یافته های شخصی بنا میشود. در این سیستم کودکان هم سن یافته ها و تجربیات شخصی خود را با هم مقایسه میکنند. مثال یک گروه سه یا چهار نفری هر کدام با یک کاغذ مچاله شده، صداهای متفاوتی را ایجاد می کنند و کوک صداهای مختلفی را تجربه کرده تا اینکه به صدای مخصوص خودش برسد. در این روش کار معلم بسیار سخت و پیچیده است . ازجمله فعالیتهایی که توسط مربیان در این مجموعه انجام می گیرد، می توان راهنمایی کودکان برای کشف محیط خود، کاربرد دوباره صداها، بداهه نوازی با اصوات، بازسازی صداهای اطراف مثل تقلید صدای هواپیما، حیوانات، طبیعت و … را نام برد.
Martineo اومعتقد بود آموزش موسیقی از »رحم« مادر شکل میگرد و اولین آوازهایی که کودک فرا میگیرد، دربطن مادر است. بنابراین ما از محدوده کودک هم خارج شده به زمان قبل از تولد میرویم؛ و بهترین شرایط اجتماعی، شرایطی است که خانواده به وجود می آورد. درواقع در سیستم ویلمز با دو عامل کودک و خانواده روبرو هستیم. در این روش هیچگونه ساز مخصوص کودکان وجود ندارد ، مگر اینکه کودک خودش آنرا در محیط ، کشف کند. در مرحله بعد می بایست تمام سازهای موجود در اختیار کودک قرار گیرد، تا خودش آنچه را که با روحیاتش سازگار است انتخاب کند.در پایان بررسی شیوه های فوق باید متذکر شد که از اواخر قرن بیستم، تقریبا« در سراسر دنیا هیچ کس به هیچ روشی پایبند نیست ، بلکه هر متخصص موسیقی کودک ،روشی را انتخاب می کند که متناسب با امکانات محیطی ، سن وتوانایی کودکان باشد.
اميد واريم كه با معرفی بهترین برنامه های در زمينه يادگيري موسيقى به شما کمک کنيم تا تفاوت های ظریف اين رشته را بیاموزید یا در آينده به ستاره بزرگ بعدی در صنعت موسیقی تبدیل شوید
yousician _ اپلیکیشن موسیقی _ گذر موسیقی
برای داشتن موسیقی خوب ، من به شما توصیه می کنم که با برنامه یوسین شروع کنید. این برنامه چندین جنبه قابل توجه از جمله پیانو ، گیتار ، وکلئوس ، باس و آواز را پوشش می دهد و می تواند به عنوان یک معلم موسیقی در کمک به شما در تسلط بر ترفندهای تجارت کار کند. احتمالاً بهترین قسمت در مورد این برنامه توانایی اجازه دادن به کاربران برای پخش هزاران آهنگ روی سازهای واقعی است. و با بازخورد فوری در مورد دقت و زمان ، شما را در مسیر خود قرار می دهد.
چه یک مبتدی ، چه متوسط و چه در مرحله پیشرفته یادگیری باشید ، می تواند کاملاً برای شما مفید باشد. از همه مهمتر ، گیم و بازی که در آن می توانید در یک چالش هفتگی شاخ های خود را با دوستان خود قفل کنید ، لذت زیادی را برای یادگیری به همراه می آورد. بنابراین ، احتمال اینکه سطح بالای شما همچنان به دنبال پیشرفت باشد ، بسیار زیاد است.
vanido _ اپلیکیشن موسیقی _ آکادمی گذر موسیقی
اگر مایلید با آواز خواندن و بازخورد بصری در زمان واقعی تسلط پیدا کنید ، واندينو می تواند پاسخ درستی به خواسته شما باشد. این برنامه یک تجربه کاملاً شخصی یادگیری موسیقی را همراه با دروس روزانه ارائه می دهد. از آنجا که هر تمرین مبتنی بر هدف است ، می توانید آن را برای بهبود هر یک از جنبه های اصلی مانند صدای سر ، صدای قفسه سینه و انعطاف پذیری تمرین کنید. درست مثل یک معلم خصوصی ، این برنامه نکات مورد نیاز را نیز ارائه می دهد تا بتوانید زمان خود را تقویت کنید و همچنین بفهمید چه زمانی تمایل به بیرون رفتن از زمین دارید. برای ایجاد سرگرمی بیشتر در یادگیری موسیقی ، می توانید اهداف چالش برانگیزی تعیین کنید و برای رسیدن به آنها از خود عقب نشینی کنید. با در نظر گرفتن این ویژگی های قابل توجه ، وانیدو به راحتی می تواند ادعا کند که یک برنامه برتر موسیقی برای اي ا اس است
piano _ _ اپلیکیشن موسیقی _ آکادمی گذر موسیقی
به نظر می رسد این نرم افزار برای افرادی که تمایل زیادی به پیانو دارند ، یک پلتفرم کاربردی است. با داشتن کاتالوگ عظیمی از آهنگ ها ، شما می توانید آهنگ های مورد علاقه خود را برای پخش از ژانرهای مختلف مانند راک ، پاپ و … انتخاب کنید. با اضافه شدن آهنگ های جدید ، احتمال اینکه همیشه چیزهایی خارج از چارچوب برای امتحان داشته باشید بسیار زیاد است. نه فقط این ، شما حتی می توانید دوستان خود را برای یک دوئل سرگرم کننده دوستانه دعوت کنید و بهترین تلاش خود را برای فرار با عنوان پیانیست آینده بدهید.یکی از مهمترین گزینه های من در این برنامه توانایی پخش آهنگ در سطح دشواری متفاوت از مبتدی ، متوسط و پیشرفته است. بر اساس هدف خود ، می توانید آکورد را با سرعت خود تمرین کرده و موسیقی جالبی ایجاد کنید. هرچه عملکرد شما در اجرا و پخش آهنگ بهتر باشد ، امتیاز بیشتری کسب می کنید.
read music _ اپلیکیشن موسیقی _ آکادمی گذر موسیقی
این برنامه ممکن است بسیار سبک به نظر برسد اما ده ها درس به شما ارائه می دهد که به شما امکان می دهد چندین جنبه اصلی از جمله ریتم ، آهنگ و موارد دیگر را تمرین کنید. از آنجا که هر تمرین اندازه لقمه کوچک است ، حتی اگر شما زندگی پر مشغله ای داشته باشید ، نیز وقت صرف وقت برای آن سخت نخواهد بود.
Justin Guitar Beginner Lessons _ اپلیکیشن موسیقی _ آکادمی گذر موسیقی
در این برنامه چیزهای زیادی برای یادگیری گیتار دوست داشتنی وجود دارد. اول و مهمترین ، این برنامه یک دوره کاملاً ساختاریافته را طراحی کرده است که برای آموزش آکوردهای اساسی گیتار ، الگوهای ضرب و شتم ، الگوهای انتخاب انگشت ، کاپو ، تغییرات آکورد ، مقیاس ها و زبانه های گیتار طراحی شده است. به عنوان یک مبتدی ، این دوره را بسیار مفید است . با راهنمایی جاستین ، مربی گیتار واقعی ، می توانید بیش از 50 درس را بگذرانید.این برنامه با داشتن یک سیستم خودارزیابی ، ارزشیابی پیشرفت در نوازندگی گیتار را بسیار ساده می کند. در مجموعه هزار آهنگ جذاب و به گوش آشنا را در خود دارد .
music theory _ اپلیکیشن موسیقی _ آکادمی گذر موسیقی
آیا یادگیری تئوری موسیقی برای شما کمی دشوار است؟ اگر بله ، من به شما توصیه می کنم یک ضربه به برنامه “تئوری موسیقی با ابزار پیانو” بزنید. برنامه متمرکز بر آموزش مفاهیم اصلی موسیقی به روشی سرگرم کننده است. بنابراین ، شما می توانید با آسودگی ذهن خود ، دروس تئوری موسیقی را پشت سر بگذارید. علاوه بر این ، همچنین روش بهتری برای یادگیری مقیاس های اصلی و جزئی و حالت آنها ارائه می دهد. با استفاده از نت ها و فواصل موسیقی به شما کمک می کند تا به راحتی تمرین کنید.
.
و سایر برنامه هایی که برای یادگیری سلفژ ، نت خوانی و تربیت شنوایی به شما توصیه میکنیم به آنها سری بزنید:
مترجم : نگین زمردی از سایت beebom
افراد خیلی کمی هستند که به موسیقی علاقه ای نشان نمی دهند. قدرت و تنوع موسیقی آنقدر زیاد است که افراد را به شکل های متفاوتی تحت تاثیر قرار می دهد. برای برخی موسیقی امری فطری و گاه آنقدر هیجان انگیز است که با شنیدن آن به رقص در می آیند و یا به شکلی بدن خود را حرکت می دهند؛ و برای برخی دیگر پیام موسیقی است که حائز اهمیت است و رویکردی روشنفکرانه به ساخت و ترکیب موسیقی دارند و اصالت اثر است که تحسین آنها را بر می انگیزد. با تمام این حرفها کمتر کسی است که به نحوی متأثر از موسیقی نباشد. نوای موسیقی محدودة گسترده ای از احساسات ما را در برمی گیرد؛ از شادی تا غم؛ زمانی با حس دلتنگی ما عجین می شود و زمانی ما را سرشار از حس جنب و جوش می کند. برخی از موسیقی ها می توانند آنقدر ذهن شما را درگیر خود کنند که دیگر به هیچ چیز دیگر فکر نکنید. این گونه موسیقی بر روی ذهن ناخودآگاه ما کار می کند؛ یا با تمرکز بر جنبة خلاق یا تعالی بخش وجود آدمی، از خاطرات قدیمی و اعماق وجود ما پرده بر می دارد.
موسیقی با جریانات مهم زندگی ما به صورت معنی داری گره خورده است. به ندرت مراسمی ملی یا شخصی را می توان یافت که با نوایِ موسیقی همراه نباشد. موسیقی میتواند به سادگیِ لا لایی های شبانه مادرانه و یا صورت رسمی تر آن به شکل سرود ملی در مراسم مختلف باشد. گاهی موسیقی در غالب فوران احساسات بی اختیار تماشاگران قبل از شروع مسابقه فوتبال است و گاه به صورت اجرایی کاملاً سنجیده و از قبل تمرین شدۀ گروه نوازنده و یا کُر در مراسم جشن عروسی و یا تدفین است.
بخشی از تاریخ بشر است. علم قوم شناسی با بررسی مراسم مختلف در میان جوامع بدوی مدارک فراوانی دال بر اهمیت موسیقی در میان اقوام مختلف بشر بدست آورده است. موسیقی یک هنر عینی نیست و کسی نمی داند قرنها قبل موسیقی چگونه بوده؛ تا آنکه انسانها شروع به نوشتن و سپس به ضبط آن پرداختند. البته مدارکی هم از آن دوران در دست است که خود بیانگر اهمیت موسیقی در تمدن باستانی است؛ مانند سازهای دوران باستان، نقاشی و یا حکاکی های بجا مانده از آن زمان.
در قرن بیستم، علاقۀ وصف ناپذیری نه تنها در مورد آثار مکتوب بجا مانده از موسیقیِ نسلهای پیشین بوجود آمد بلکه نسبت به اثبات رسانیدن چگونگی به گوش رسیدن موسیقی گذشتگان هم میل بی سابقه ای در میان علاقمندان موسیقی پدید آمد. در اوایل قرن هجدهم، از موسیقیدانان انتظار می رفت تنها برای کنسرتها آثار جدیدی خلق کنند؛ درحالیکه دوستداران موسیقی کنونی غالباً تمایل دارند از آلات موسیقی ای استفاده کنند که دوباره به خلق همان فضاها و همان شیوه هایی که آهنگساز مورد نظرش بوده بپردازند.
راههای گوناگونی برای شناخت نحوۀ زندگی نسلهای گذشته وجود دارد تا به اتکای آن بتوانیم زندگی امروز خود را بر پایه های محکمی بنا کنیم و یکی از قوی ترینِ این روشها بررسی موسیقیِ پیشینیان است.در حال حاضر موسیقیدانان دایمأ درصدد یافتن قالبهای بیان جدیدتری هستند. ازآنجایکه ابتکار و خلاقیت، جوهرۀ اصلی هنر معاصر قلمداد می شود؛ موسیقی هم از این امر مستثنی نیست و هر پیشرفت و دستاورد جدیدی در زمینه تکنولوژی بااستقبال و کنکاشِ آهنگسازان و نوازندگان روبرو می شود. امروزه به کمک تکنیکهای ضبط ، هر نوع موسیقی بلافاصله در دسترس جهانیان قرار می گیرد؛ اما این امر باعث کاهش نیاز برای شنیدن انواع مختلف آلات موسیقی و اجرای زندة آنها نگشته است.
موسیقی چیست؟ |
در پاسخ به پرسش “موسیقی چیست؟” با جوابهای مختلفی روبرو می شویم. برخی سعی می کنند جوابهای علمی تری دهند و می گویند موسیقی توالی امواج صوتی است. در این صورت صدایی که در نتیجه خراش تخته سیاه با سر انگشتان دست پدید می آید را نیز باید موسیقی دانست در صورتیکه کسی چنین صدایی را موسیقی قلمداد نمی کند.
پدید آوردن موسیقی فقط در قلمرو دست بشر نیست. بسیاری از حیوانات از جمله نهنگ و پرندگان برای برقراری ارتباط از موسیقی استفاده می کنند. آهنگساز فرانسوی، اولیور مِسیان از موسیقی طبیعت بهره می جست. او برای آوا نویسی آواز پرندگان به حومه شهر می رفت و تقریبأ نت به نت آن را در آثار ارکسترال و موسیقی پیانویی خود بکار می گرفت.آهنگساز آمریکایی، جان کیج معتقد بود اصوات مکانیکی پس زمینه زندگی روزمرة ما هم خود نوعی موسیقی هستند و آهنگسازان دیگری هم با استفاده از اشیاء گوناگونی که در زندگی روزمره ما بکار می روند به عنوان” آلات موسیقی” آثاری خلق کرده اند.
شاید پرسش آسان تر این باشد که ” چه چیز اصلأ موسیقی نیست؟” البته باز هم پاسخها متفاوت خواهد بود. برخی اصواتی را گروه موسیقی ِهوی متال راک می سازد موسیقی می دانند و برخی دیگر آن را فقط یک سری اصوات بسیار تقویت شده می پندارند. در حالیکه موسیقی راک دهة 1950 و 60 از جمله ترانه های بادی هولی، جری لی لوئیس، بیتل ها و یا رولینگ استون با ستایش فراوانی از جانب طرفداران جوان آن دوره روبرو می شد؛ پدر و مادرهای آنها این موسیقی را فقط یک سری اصوات غیر قابل تحمل توصیف می کردند. خیلی از هم دوره های برلیوز از “روزهای خوب گذشته” باخ یاد می کنند؛ در حالیکه دوستداران موسیقی در اوایل قرن بیستم در مواجه با آثار تکان دهندة استراوینسکی آنچنان تحت تاثیر قرار نگرفتند.
هنگامیکه از آندره پریوین راجع به تفاوت میان موسیقی پاپ و کلاسیک سوال شد، او در جواب گفت: ستایش یک قطعة موسیقی به میزان زیادی بستگی به تربیت وفرهنگ شنودگان اثر دارد. برای کسانیکه در غرب متولد شده اند، موسیقی مشرق زمین رمزآلود است و به دلیل وجود اصطلاحات نا آشنا، گاهی گوش دادن به آن با مشکلاتی همراه است. البته زمانی که محتوای چنین موسیقی درک شود و همچنین غربیها هم پیش فرضهای خود را در مورد قوانین موسیقی کنار بگذارند این موسیقی هم قابل فهم خواهد شد. حتی بدون فهم کلام نیز تمام موسیقی ها از قدرت تاثیر گذاری بر احساسات آدمی برخوردارند.
یک تجربة روان- تنی است که همگام با ارتقاء آرامش و تعادل، در ایجاد اطمینان قلبی و رضایتمندی در عمق وجود انسان نقش مهمی ایفا می کند. خیلی از انسانها بدون آن احساس خلاء خواهند کرد. برای یافتن پاسخ، نیازی نیست وارد فلسفة موسیقی وبحث های علمی آن شویم؛ فقط کافی است به درون و اعماق وجود خود جاییکه موسیقی از آن نشأت می گیرد رجوع کنیم.
آلات موسیقی و داستان پیدایش آنها همیشه بخشی از تاریخ بشر بوده است. در اصل داستان موسیقی با داستان تاریخ بشر آغاز می گردد. موسیقی یا اصوات در بطن تمامی ادیان وجود دارد. هنگامیکه انسانهای بدوی بر یک تکه سنگ یا پوست ضربه می زدند و یا در استخوانی قدیمی و یا شاخه میان تهی درختی می دمیدند، می پنداشتند صدایی که می شنوند صدای آن شیء است. بنابراین تصور می کردند با برانگیختن صدای این اشیاء می توانند با بخش نامرئی طبیعتی که در آن زندگی می کنند رابطه برقرار کنند.
بیان زمان به صورت ریتمیک، توسط نوعی ابزار موسیقی به زمانی خیلی پیشتر از ساخت یک آلت موسیقی واقعی بر می گردد. هر شیءی که انسانهای اولیه به منظور آواز خواندن و یا رقصیدن انتخاب می کردند، می توانست نوعی آلت موسیقی محسوب شود. نخستین ابزارهایی که اختصاصاً به عنوان آلت موسیقی خلق شدند با روند بسیار کندی تکامل یافتند و تقریباٌ تغییر یافتة وسایلی بودند که برای استفاده های دیگر ساخته شده بودند.(مثل طبل قابلمه ای).آلات موسیقی ابزار اصلی کارِ موسیقی است. این ابزار خصوصیات آکوستیک طبیعت را به اهداف هنری موسیقایی تبدیل می کنند. آلت موسیقی و موسیقی دان از هم جدایی ناپذیرند. در دستان یک نوازنده تازه کار، ویولن ساخت استرادیواری شاید صدای نواختن بر تکه چوبی را دهد و بالاعکس یک نوازنده زبر دست می تواند از یک ویولن بدساخت نغمه های آسمانی خلق کند.
| صدف حلزونی امروزه نیز به عنوان آلت موسیقی در چین بکار می رود. در برخی معابد برای اعلام شروع مناجات در صدف می دمند. در دهانه صدف زبانه ای از جنس بامبو تعبیه شده است. |
بدیهی است اولین نغمه های بشر ناشناخته اند. پیشرفت موسیقی به هزاران سال قبل از اختراع خط باز می گردد. هیچکس نمی داند انسانهای نئاندرتال و اولیه از چه اصواتی لذت می بردند. قطعاً اولین آلت موسیقی حنجره انسان بوده است. مناجات های مذهبی احتمالاً با دست زدن و یا پا کوبیدن های ریتمیک همراه بوده است. البته چنین مراسمی می توانسته با ضربه زدن هایِ شیءی مانند تکه چوب و یا سنگی همراه باشد که به نوبت صدای بلندتر یا متفاوت تری ایجاد می کرد.
مترجم : نگین زمردی_مرجان ورهرامی
از مقدمه ی کتاب دایره المعارف موسیقی (مکث وید_ وندی تامسون)
the encyclopedia of music_Max wade/Wendy Thompson