Creativity and Composition Classes (Beginner Level)
The beginner composition classes guide students toward creating original and inspiring pieces, encouraging them to express their individuality and creativity through music. These classes are designed for beginner and intermediate levels, introducing valuable concepts for writing innovative and creative music. The classes address fundamental principles such as rhythm, melody, and harmony, while also challenging students with the concepts of form, theory, and compositional techniques. (The books taught in these courses are the translated series “My Music, My Creation” in five volumes.)
In these classes, creativity sparks the excitement for composition within each student, inspiring them to create their own piece. As the students progress, they experience the valuable combination of natural creativity with musical skills. Students learn musical concepts through fun and engaging activities, and they are also taught improvisation to experience sounds and melodies. Additionally, the compositions of other composers are analyzed and discussed to broaden their musical understanding and knowledge
Advanced Composition Classes
In the advanced composition classes, students study thematic music, the movement of melody, writing inventions and fugues, variation techniques, sonata and rondo forms, polytonality and modality, twelve-tone music, twentieth-century symbolism, and much more
کلاسهای خلاقیت و آهنگسازی سطح پایه، هنر جو را به سمت نوشتن قطعاتی بکر و الهام بخش سوق می دهند تا از طریق موسیقی خود، به بیان شخصی و ابراز وجود بپردازد. این مبحث برای سطوح مبتدی ومتوسط طراحی شده است و شامل مفاهیم با ارزشی برای نوشتن موسیقی مبتکرانه و خلاق می باشد که از سویی قواعد بنیادی ریتم، ملودی و هارمونی مطرح می کند و از سوی دیگر فرم در موسیقی، تئوری و تکنیک های آهنگسازی را به چالش میکشد .( کتابهایی که در این دوره ها تدریس میشوند، کتابهای ترجمه شده “موسیقی اثر من “در پنج جلد میباشد.) در این کلاس ها، ابتدا با مشاهده جرقه های خلاقیت، در وجود هر هنر جو، شوق و شور آهنگسازی برای ساخت قطعه خودش ایجاد می گردد و سپس هنرجو در مسیر ارزشمندی که از ترکیب خلاقیت طبیعی با مهارت های موسیقایی ایجاد می شود، قرار میگیرد. آشنایی بیشتر هنرجو با مفاهیم موسیقایی، از طریق یکسری فعالیت های سرگرم کننده و جذاب صورت می گیرد و برای تجربه کردن اصوات و ملودی ها، به او بداهه نوازی، آموزش داده می شود. در این دوره همچنین برای استفاده کردن از تجربیات دیگر آهنگسازان، قطعات آنها آنالیز و بررسی می گردد.
در کلاس آهنگسازی سطح پیشرفته، موسیقی تماتیک و تحرک در ملودی،نگارش انوانسیون و فوگ،تکنیک های واریاسیون،نگارش فرم سونات و روندو، پلی مدالیته و پلی تنالیته، موسیقی دوازده نتی، نماد شناسی قرن بیستم و … تدریس می شود.
A Brief Explanation of Counterpoint:
In European music, until the 8th century, music was performed monophonically (single melody). After the 9th century, it began to evolve, eventually reaching two-part, three-part, and multi-part compositions, and was named counterpoint. Counterpoint became prominent during the Renaissance in Europe and reached its peak during the Baroque period. Canon and fugue are considered the most important and complex forms of counterpoint.
Counterpoint is the science of harmonizing sounds with one another. The term cantus firmus refers to the initial melody that serves as the foundation, against which other melodies are composed. It is abbreviated as Cf. The melody composed against the cantus firmus is referred to as counterpoint and is abbreviated as CP. Unlike harmony, where one melody is more important than the others, in counterpoint, all parts hold equal value.
In counterpoint, two or more melodies are written simultaneously to be performed together. This creates intervals between the notes of the melodies, and the arrangement of these intervals must follow the rules of counterpoint. When done correctly, the result has a distinct sound that aligns with a particular aesthetic beauty.
توضیح مختصری درباره ی كنترپوان : اروپایی تا قرن ٨ میلادی به صورت یک‌صدایی اجرا می‌شد. پس از قرن نهم میلادی رو به تکامل نهاد و به تدریج به دوصدایی، سه‌صدایی و چندصدایی رسید و نام آن را کنترپوان نهادند. کنترپوان از دورهٔ رنسانس در اروپا رواج یافت و در دوره باروک به اوج و شکوفایی رسید. از کانن و فوگ به عنوان مهم‌ترین و پیچیده‌ترین بخش کنترپوان یاد می‌کنند.علم هماهنگی صداها با یکدیگر تعاریف اولیه کانتوس فریموس به ملودی اولیه ای گفته میشود که میخواهم در مقابل ان ملودی دیگری بنویسیم که با علامت اختصاری Cf نشان داده میشود کنترپوان به ملودی که در مقابل Cfنوشته میشود گویند وبا علامت اختصاری CPنشان داده میشود بر خلاف هارمونی درCP یک ملودی مهمتر از بقیه ملودیها نیست بلکه همه بخشها از لحاظ ارزش یکسان هستنددر کنترپوان، دو یا چند ملودی روی هم نگارش می شوند؛ به نحوی که همزمان اجرا شوند. در نتیجه ی این هم صدایی، فواصلی بین نت های دو (یا چند) ملودی تشکیل می شود. ترتیب این فواصل باید از قوانین کنترپوان تبعیت کنند. در این صورت، نتیجه نهایی دارای صدادهی مشخصی در محدوده نوعی زیبایی شناسی خواهد بود.
Harmony is the study of dividing music into multiple parts based on the characteristics of chords and their ability to connect to one another, with the goal of establishing a foundation for the melody of a piece. Those wishing to learn harmony must have a comprehensive understanding of the fundamental theory of music. Harmony signifies unity and coordination and represents the integration of components into a cohesive whole. Harmony is a process of combining individual sounds, which are analyzed when heard simultaneously. The term harmony originates from harmonics or overtones, which are principles that govern the organization and combination of musical sounds and chords.
In the beginning, harmony requires a basic understanding of chord theory. Harmony is the science of chord progression in music, done in a way that follows the principles of tonal direction and aesthetic beauty. In classical harmony, there are several rules for writing harmonies, which are typically derived from the harmonic logic of renowned classical composers.
The study of harmony is a crucial and fundamental aspect of classical music, and learning it is highly beneficial for those interested in composition as well as for performers. In harmony classes, topics such as scales, intervals, triads, harmonic connections, resolutions, vocal and instrumental textures, homophony, various seventh, ninth, and altered chords, as well as chromatic changes and others, are taught.
هارمونی دانشی است براي چند بخشی کردن موسيقی بر پايه خصوصيتهای آکوردها و شايستگی وصلشان به يکديگر به قصد ساختن پايه اي براي ملودى قطعه. کسانی که قصد اموختن هارمونی را دارند بايد به تئوری بنيادی موسيقی احاطه کامل داشته باشند. هارمونی به معنای وحدت و هماهنگی است و بیانگرِ یگانگی در اجزا و تشکیل یک واحدِ کل است. هارمونی فرایندی از ترکیبِ صداهای فردی است که با شنیدن همزمانِ آنها تحلیل میشود.واژه ی هارمونی یا هماهنگی که از هارمونیکز یا فراهنگ ها گرفته شده است .در اصل علمى است که قواعد آن به منظور ایجاد یک نظمی در تسلسل و ترکیب اصوات موسیقی وآکورد ها پایه گذاری شده است.
در آغاز هارمونی يک دانش مقدماتی به نام – اکورد شناسی بايد فرا گرفت.هارمونی، علم توالی آکوردها در موسیقى به نحوی که اصول هدایت صوتی و زیبایی شناسی رعایت شود. در هارمونی کلاسیک، قوانین متعددی برای هارمونی نویسی وجود دارد. این قوانین معمولاً برگرفته از منطق هارمونی در آثار آهنگسازان برجسته کلاسیک است.
درس هارمونی از دروس مهم و اساسی موسیقی کلاسیک بوده و فراگیری آن چه برای علاقه مندان درس آهنگسازی و چه برای نوازندگان یشرته بسیار مفید وضروری می باشد .
در کلاس هارمونی گام ها، فواصل، تریاد ها، پیوند های هارمونیک، فرود ها، بافت موسیقیایی آوازی و سازی ،هموفونیک، انواع آکورد های هفتم، نهم ناقص، ششم ناپولی، آکورد های تغییر یافته ی کروماتیک و … تدریس می شود.